Desde hace varios años, la artista Iole de Freitas se levanta antes del amanecer. Se sienta en su balcón en el barrio de Laranjeiras, en Río de Janeiro, y observa cómo la noche da paso al día. "Soy testigo de un amanecer increíble", afirma en una entrevista con NeoFeed .
“Sigo persiguiendo esos momentos, esperando ansiosamente que duren. Es una relación temporal. Estoy en la noche, en la oscuridad, esperando, cada amanecer, a ver si la luz llegará a las 4:40 o a las 5:20. Esta observación me mantiene en un estado de expectativa.”
A sus 80 años, Iole nunca deja de asombrarse. En la oscuridad, observa cómo el cielo se abre en tonalidades que van del violeta al magenta, pasando por intensos naranjas, en un movimiento continuo hasta que la luz inunda por completo el día. A partir de esta observación, la artista creó la serie Nocturnos , que se exhibe en la galería Raquel Arnaud de São Paulo hasta el 30 de mayo.
Las esculturas están hechas de acero inoxidable, un material con el que trabaja desde hace décadas. Con él, crea formas ardientes que confieren a las láminas una sensación vibrante y ligera. Sin embargo, no explota el brillo del metal; lo camufla. Pinta cada parte de la escultura con arena y pintura mate, en tonalidades inspiradas en el amanecer que ve desde su ventana.
“El amanecer se repite cada día, pero nunca de la misma manera. La luz aparece primero en el horizonte. Es allí donde se revela la estructura. De ella nacen ondas de colores distintos, siempre iguales, con mínimas diferencias”, explica.
En Nocturnos , este principio se despliega en las esculturas murales. Las esculturas comparten la misma lógica, pero cada una encuentra su propio movimiento y su propia variación de color.
Hay que fijarse bien para darse cuenta de que, al igual que el cielo varía según la incidencia de la luz, Iole colorea cada curva con un tono distinto, componiendo, en cada pieza, una transición entre la noche y el día: algunas más violetas, otras más cálidas.
Junto a esta nueva serie, Iole también presenta las esculturas Mantos , realizadas en papel glassine, un material translúcido, ligero y resistente. Las esculturas exploran una tensión similar a la de las piezas de acero inoxidable.
En metal, la artista extrae ligereza y vitalidad de un material rígido. En papel, parte de algo aparentemente frágil para reafirmar su soporte. Con un soplador de aire, le dio «el aliento de vida. El papel ahora está vivo. Miren: respira», escribió el curador Eucanaã Ferraz, con motivo de la exposición Making Air , en 2025, en el Paço Imperial, cuando presentó las Capas .
Iole crea textura y volumen al inflar el material con pliegues y arrugas, que luego colorea con una mezcla de pegamento y arena; esta vez, en blanco y rojo. En ambas series, la artista produce simultáneamente movimiento y suspensión, como si capturara un instante decisivo en el que la luz y el viento pasan, reorganizando todo lo que antes parecía estático.
Color y tiempo
La congelación del movimiento y el color es un gesto presente desde los inicios de la carrera de Iole. Nacida en Belo Horizonte en 1945, se acercó al arte a través de la danza, ya en Río de Janeiro, ciudad a la que se mudó con su familia. La experiencia con el cuerpo en movimiento marcó profundamente su pensamiento.
Fue en la década de 1970, durante una estancia en Milán, cuando se adentró en el mundo de las artes visuales. Allí, comenzó a utilizar su propio cuerpo como material. Aún bajo la fuerte influencia de la danza, realizó registros fotográficos y de vídeo de sus acciones. Estos registros, grabados en Super 8 y Kodachrome, ya muestran una variación cromática que oscila entre tonos azulados y anaranjados.
En cierto modo, existe una sutil relación entre las obras recientes y las primeras realizadas en película. En el cine, el grano confiere a la imagen su propia vibración; en las esculturas, la arena da forma al color.
A lo largo de las décadas, Iole ha materializado el movimiento, creando esculturas hechas con alambre, tubos y telas. Formas que parecen emerger del cuerpo y expandirse en el espacio.
Las obras de Iole fueron creciendo en tamaño, extendiéndose también al plano aéreo de las instituciones. Placas de policarbonato y varillas de acero inoxidable, a las que ella llama flechas, atravesaban los espacios, anclándose a las paredes y creando tensión dentro de la lógica arquitectónica que las contenía.
Las superficies transparentes, retorcidas, quedan suspendidas en pleno movimiento, evocando un grand jeté , como si fijaran un movimiento continuo en el aire. En 2007, en la Documenta 12 de Kassel —una de las exposiciones más importantes del mundo— este lenguaje adquirió escala e intensidad, ocupando una planta entera y la fachada de Friedrichsplatz, el edificio donde tuvo lugar la exposición.
Trabajos para usar
Partiendo de esta investigación, los orfebres de HStern comenzaron a desarrollar, en colaboración con la artista, la colección HStern + Iole de Freitas. Si en las instalaciones la obra se expande a escala arquitectónica, aquí establece una dimensión íntima: la del oído, el cuello, las manos.
“Fue asombroso observar el proceso, porque mientras yo hago torsiones con láminas de metal de seis metros por dos, los orfebres trabajan con láminas de tres centímetros por uno. Y yo observaba cómo lograban hacerlo”, recuerda el artista.
El proceso duró dos años. «Acordamos que la materia prima incluiría acero, un material con el que nunca habían trabajado antes. No es exactamente el mismo acero que uso en mis tuberías, pero es de muy alta calidad», afirma. Iole solo se mostró reacio al uso de piedras en las piezas.
Pero pronto se dio cuenta de que los discretos diamantes engastados en sus flechas no restarían valor a la calidad poética de su obra. «Era algo único; me emocionó enormemente presenciar la admirable maestría de los orfebres, que llevan trabajando para la marca más de 30 años», afirma.
Tanto las joyas como la exposición en la galería Raquel Arnaud coinciden con la celebración del 80 cumpleaños de Iole. En diciembre, reunió a sus amigos en el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro para celebrar su cumpleaños y bailó toda la noche.
Antes de cada exposición, se pregunta qué quiere hacer. Y la celebración le dio la energía para crear estas nuevas obras que anuncian el amanecer. «El acto plástico es invención, no autoexpresión. Es lenguaje. Creo para el otro, en relación con el otro», afirma.
Sin ningún interés en repetirse, continúa inventando. «Inventaré, manteniendo la coherencia, la conexión con la poética de mi obra. A los 80 años, observo las cosas con mucha más atención».
